59. Kunst-Biennale von Venedig: Die Welt am seidenen Faden

„Wir leben in einer sexistischen Gesellschaft. Da kann von Gerechtigkeit zwischen den Geschlechtern leider noch keine Rede sein. Und auch die Biennale hat stets mehr Männer ausgestellt als Frauen“, sagt die Wahl-New Yorkerin dem Handelsblatt. Durch ihre den Diskurs über Diversität bereichernde Auswahl rücken übersehene Positionen ins Bewusstsein der Kunstszene.

Häufig gelingen Cecilia Alemani nicht nur Aneinanderreihungen, sondern überzeugende Gegenüberstellungen. Absolut einnehmend ist in den Giardini, wie die großen, einfarbigen Strickbilder von Rosemarie Trockel die irisierenden Glas-Skulpturen der Rumänin Andra Ursuta hinterfangen.

Ursuta inspiriert sich in Horrorfilmen. Bei ihr wachsen den fragilen, durchschimmernden Frauenkörpern Tierklauen an Stelle der Füße, Luftballons ersetzen die Arme. Durch Trockel kommt der subversiv feministische Aspekt der Handarbeit von Frauen, ihrer kostenlosen Tätigkeit im Haushalt zum Bild der Tier-Frau dazu.

Das Arsenale eröffnet Alemani mit einem Rundraum. An den Wänden hängt Belkis Ayons raffinierte Druckserie „Resurreccion“. In grandiosen Abstufungen von grau erzählt der bereits 1999 verstorbenen Kubaner vom Treiben einer afro-kubanischen Bruderschaft. In der Saalmitte ruht jene monumentale Schwarze Frauenbüste, die 2019 für die High Line in Auftrag gegeben wurde: „Brick House“ von Simone Leigh ist halb Afroamerikanerin, halb afrikanisches Haus.

Simone Leigh wurde mit vielen Preisen bedacht, 2018 mit dem Hugo Boss Preis. Doch den meistern Besuchern, dürfte erst durch die Biennale aufgehen, welche unvergessliche Bilder die 55-jährige Bildhauerin für Unterdrückung Schwarzer Frauen findet.

Leigh arbeitet in vielerlei Materialien, in Bronze, Keramik und Bast. Das zeigt der US-Pavillon sehr anschaulich. Erstmals darf ihn eine Schwarze Künstlerin bespielen. Der Rundgang macht klar, Leigh kennt die Kunstgeschichte von den alten Ägyptern bis zu Brancusi und Maillol sehr gut und macht ihre politische Botschaft durch Anverwandlung deutlich.

Zurück zum Arsenale und Alemanis Konzept. Etwas weiter hinten hängen markante schwarz-weiße Gemälde der Brasilianerin Solange Pessoa in Serie: bizarre Tiere und Mischwesen in betonter Kontur. Daneben entfaltet sich stark plastisch ein roter totemähnlicher Kopf in den Raum.

Für die drei Meter hohen, stark dreidimensionalen „Masken“ verwendet die 29-jährige Kanadierin Tau Lewis Stoffe, Leder, flauschiges Kinderspielzeug und Plastik. Sie sind aufgeladen mit Symbolen und der Magie afrikanischer Yoruba-Masken. Beide Künstlerinnen erzählen von Metamorphosen. Inszeniert sind diese so, dass der Flaneur etwas davon hat.

Die Biennale-Kuratorin blickt aber nicht nur auf die Kunst von heute. Sie hat fünf optisch klar abgehobene „Zeitkapseln“ inszeniert und dazwischen gestreut. „Denn dieselben Themen finden sich auch bei älteren Künstlerinnen, die von der Kunstgeschichte weitgehend übergangen wurden,“ begründet Alemani ihren Rückblick.

Die erste Zeitkapsel mit sattgelbem Teppich und goldenen Wänden heißt „The Witch’s Cradle“. Sie widmet sich dem Surrealismus jenseits der Marktheroen. In Vitrinen geschützt sind Positionen der 1920er- bis 1960er-Jahre zu bestaunen, Bilder, Marionetten und Zeichnungen mysteriöser Verwandlungen von Remedios Varo, Edith Rimmington und Alice Rahon.

Im Arsenale gibt es Zeitkapseln zum Gedanken, dass der Körper ein Gefäß ist, und zur Verführung durch den Cyborg. In letzterer setzen die replizierten, mannshohen Maskenfiguren des Ehepaars Lavinia Schulz und Walter Holdt starke Akzente: Die „Toboggan Frau“ von 1924 oder die „Technik“ tänzeln geradezu auf ihrem Laufsteg.

Cecilia Alemanis Biennale-Beitrag ist ein überzeugender Parcours zum Thema Verwandlung. Viele starke Kunstwerke und Inszenierungen werden in Erinnerung bleiben. Doch so vielstimmig die Tour de Force auch ist, bisweilen mag sich ein Überdruss an Bildern gemalter Metamorphosen einstellen. Etwa wenn Bilder in naiver Bildsprache gemalt oder aus Perlen gestickt sind.

Es gibt einige wenige Videos. Was aber fehlt, sind die packenden Filme, die Jeremy Shaw auf höchstem technischen Niveau realisiert hat. Zu sehen waren seine Videos zu menschlichen Metamorphosen jüngst in der Julia Stoschek Collection in Berlin und Düsseldorf.

Cecilia Alemanis Biennale-Beitrag lohnt gleichwohl eine Reise nach Venedig, viel mehr als die Länderbeiträge in den Pavillons. Die enttäuschen oder langweilen reihenweise. Die Wahl-Schweizerin Latifa Echakhch will mit angesengten und verbrannten Spanholz-Figurinen im Schweizer Pavillon den Frühlingsanfang feiern. Doch solches Brauchtum kennen nur die Zürcher und die Düsseldorfer. In Kriegszeiten aber wirkt das Spiel mit dem (reinigenden) Feuer deplatziert.

Frankreich erzählt die Lebensgeschichte der Filmregisseurin Zineb Sedira aufwendig nach, mit Filmstudio, Tangotänzern und Büchertapete. In Frankreich von algerischen Eltern geboren und aufgewachsen, stehen in „Träume haben keinen Titel“ am Beispiel von Sediras Biografie Entwurzelung, Diskriminierung und Rassismus im Mittelpunkt.

Im Japanischen Pavillon spielt das Kollektiv Dumb Type mit Laserschrift - unverbindlich, zeitenthoben, nichtssagend. Der Spanische Pavillon dürfte Puristen gefallen: Nichts als weiße Wände, von denen Ignasi Aballi einige um zehn Grad versetzt hat. Kaum wahrnehmbar.

Tiefschürfend geht es im Deutschen Pavillon zu. Die Konzeptkünstlerin Maria Eichhorn hat in „Relocating a Structure“ den kleinen Ursprungsbau, den Bayerischen Pavillon von 1909, freilegen lassen. Der Putz ist abgeschlagen, der Boden aufgerissen und ausgebuddelt. 1938 haben die Nazis den Bau stark erweitert zu seiner heutigen Form. Damit stellt sich Eichhorn sehr direkt in eine Linie mit Hans Haackes schollenartig aufgehacktem Fußboden von „Germania“ im Jahr 1993 am gleichen Ort.

Dystopisch ist der Blick auf eine Familie von Landwirten im Dänischen Pavillon. Uffe Isolotto hat Vater und Mutter als Zwitter zwischen Pferd und Mensch hyperrealistische Skulpturen gestaltet. Schon bevor man die Toten entdeckt, ist die Atmosphäre dräuend unheimlich.

Ganz anders, bunt, fröhlich die „Soft Machine“ im Österreichischen Pavillon. Die Künstler*innen Jakob Lena Knebl und Ashley Hans Scheirl gestalten „Begehrensräume“ mit einem Rückgriff auf die 1970er-Jahre, ihre Mode, Design und Farbwelten.

Zum ersten Mal darf mit Malgorzata Mirga-Tas eine Roma im Polnischen Pavillon ausstellen und die oft Übersehenen sichtbar machen. Die 44-Jährige geht von der Struktur des zwölfteiligen Renaissance-Freskenzyklus im Palazzo Schifanoia in Ferrara aus. Sie übernimmt in ihrem Akt des Re-Framing und der Überschreibung nur die mittigen Tierkreiszeichen.

Die oberen Bildfelder für die Heldenstory ersetzt die Künstlerin durch den stereotypen Blick auf Roma wie ihn der Kupferstecher Jean-Jacques Callot geprägt hat. Die unteren zeigen Alltagsszenen aus der Familie und dem Dorf der Künstlerin. Mirga-Tas lässt alle 36 Bilder von Familienangehörigen als Bildteppiche nähen und porträtiert diese dann auch.

Die Welt hängt momentan an einem seidenen Faden. Da ist bemerkenswert, dass etliche Künstlerinnen erzählerische, aber auch abstrakte Bilder nähen oder weben. Bei den meisten Arbeiten bleibt die alte Forderung an das Kunstwerk nach Fortschritt und formaler Erneuerung auf der Strecke. Aber zurzeit dreht sich der Diskurs um Diversität und Inklusion derer, die bislang am Rand zu stehen hatten.

„Milk of Dreams“ hat Cecilia Alemani ihre Biennale überschrieben. Das ist der Titel eines Kinderbuchs der Surrealistin Eleonora Carrington. Er eignet sich als Motto, weil er die Verunsicherung unserer Zeit und die Auflösung der Werte im milchigen Nebel ziemlich gut trifft. Surreales ist längst Realität geworden.

Mehr: Interview: Biennale-Kuratorin Cecilia Alemani: „Unsere Gesellschaft ist sexistisch“